Arts of Africa


Ghana learnt from the past to feed present. Kente and Adinkra traditional fabrics attend fashion week in Accra. Traditional High Life is coming back and meets electronic Azonto . Coming soon in English.


Diverse and quality cultural creations
Ghana has managed to combine tradition and modernity, use the past to feed the present, traditional leaders and modern democracy . It is the same with cultural production. Where Kente fabrics and traditional adinkra attend the Accra Fashion Week. The traditional high life returns up to date and plays with unbridled azonto. Two musics on the way to conquer the world. 


Artists and cultural productions Ghana hold a prominent place on the international stage and it's worth it!

Kente and Adinkra fabrics
Traditional cultural contribution, perhaps the best known of Ghana is Kente cloth, also known as Kita, which is famous for its shimmering colors and symbolism. Kente cloth is made by highly experienced weavers. The main weaving centers located in the Ashanti region around Kumasi. It also exists in the Volta region. It is easy to see many craftsmen throwing their shuttles from right to left make long strips of Kente cloth. These strips are then sewn together to make great bubus worn by Ghana people (especially leaders) at major ceremonies. The colors and patterns are carefully chosen by the weavers and their customers. Every symbol of Kente cloth has a cultural significance.


 Kente is one of the symbols of chiefs who remain strong especially in the south and center of the country, especially in the Akan area. The Ashanti chief called Asantehene, is surely the most respected person in the center of the country.

Like all Ghanaian Akan chiefs, he wears the colorful Kente, gold jewelry, amulets and only goes out protected by highly decorated traditional umbrellas. The most sacred Ashanti symbol remains the golden stool, a small golden throne in which lies the soul of the Ashanti people. It is kept protected in Kumasi, Ashanti cultural capital and the headquarters of the palace of the Asantehene. .

Kente legend, originally a spider
According to Ashanti legend, two friends who had gone into the forest in search of game would have surprised a giant spider (the famous Ananse) currently weaving its web. 

Back in the village, they imitated the animal to make a fabric. This is how, according to legend, was born the first kente which was offered to the king. He was amazed by the beauty of this, upgrading the weavers to the rank of royalty. They became the exclusive appointed King costume designers. Woven fabrics for the king were unique and whoever ventured to imitate them was punished.

This legend demonstrates the value placed on Kenté by kings and Akan nobility. Kente therefore singles Akan nobility and identifies it. Sign of power, it is also the official dress of the nobility for large ceremonies. However, kente is far from a simple fabric. It is a language, a code of conduct. This writing is readable through the colors, patterns and animals (drawn or carved on accessories such as canes ceremony).

Symbolic of Kente colors
The colors have specific meanings and relay messages. "The cloth speaks more than the mouth" is an example.
-Whiteis the color of purity, innocence, spirituality and peace (psychic, collective and interior). Sometimes implicit in the kente, white recalls the sacred and divine character.
-YellowColor of gold, yellow symbolizes opulence, wealth in all its forms (financial, spiritual, intellectual, etc.). Yellow is associated with the bounty of the earth. This color is strongly present in the kente because the king who wears at public events, embodies all the virtues. Gold and yellow like sunlight also recall benefactor deity.
-Black is the color of mourning and darkness, evil but also secrecy and mystery. Black is mainly used in purifying initiation ceremonies. Black is both a symbol of the occult and hidden knowledge. It is an ambivalent color between obscurantism and spiritual elevation. It combines negativity and positivity, black is both feared and revered. Its presence in the discrete kente points out that the noble are above all guardians of the throne.
-Green is the symbol of life, growth and harmony. Green recalls the forest, the foliage of the trees, the birth and youth. Green also brings caution and humanism. Associated with blue and yellow, it completes the meaning of ceremonial outfits expressing the wealth and nobility based on humility, humanism and balance.
-Blue evokes the vast spaces that are the sky and the sea, it symbolizes elevation, communion but also humility, restraint, patience and wisdom. The king and all the nobles have a perfect control of their community and their environment, it will not be forgotten! . Blue is often associated with the yellow, white and red to express the wealth and power based on the spirituality that provides peace and balance and is a guarantee of stability for the government.
To color symbolism, shapes and geometric patterns are also significant. They are 5, square, triangle, diamond, circle and cross.

Symbolic of shapes
-The squareis the symbol of the earth and the cosmos, its four sides represent the junction and the union of these two entities. It is associated with femininity, because the woman, beyond her life (birth-life-death-elevation) gives life (procreation-creation). This figure is very present in the kente to recall that Akan society is matrilineal.
-The triangle represents life with its three sides. The base symbolizes the birth (the emergence in the world) and the existence (self-realization and destiny).The summit on the other hand symbolizes death (physical) and spiritual elevation. The three sides of the triangle are also related to the family. 

This is the masculine principle and the feminine principle that come together to give a third principle like the father and the mother who gave birth to the child or as the intellect and the heart give birth at will. Actually, the triangle is a simple completeness. It represents the life of man.
-The diamond is made up of two juxtaposed triangles each on the basis of the other, one upright and the other upside down, this figure is found in many kente worn by kings and leaders during important ceremonies . This is a sign of existential duality of the monarch (or head), its existence as a human being represented by a triangle (top) and one as head (bottom triangle). Both triangles have open bases, which means that the destiny of man and that of the head are related. All his actions as a man and leader contribute to its prestige and that of the royal institution.
-The circle This geometric figure represents infinity. The closed circle has no beginning or end. It is analogous to power as the concept of infinity, which transcends time. As timeless royalty and whose origins are often lost in the mists of time. The filled circle represents the universe, society, the human community. This figure of divine essence is found in almost all kente worn during the enthronement of a king to recall his divinity to the people.
-The cross Universally, the cross returns to the movement of water and fire, but especially to the four cardinal points. When the arm is extended, it is a cross that symbolizes the life force, the breath of life, existential marker. We find the cross in various forms in kente but also in another Akan cloth, the adinkra.
Kente democratized today can be read like a book of anthropology. It captures the philosophical, political and social conception of Akan society.

Cloths and adinkra symbols
The Adinkra symbols were developed by the Ashanti people, their origin can be traced back to the 17th century.

 "Adinkra" comes from "di nkra" which means to separate, to leave hence its nickname of cloth of mourning.

The Adinkra symbols were used mainly in printed cloths worn during the official ceremonies, especially at funerals, while the symbols representing a quality, attitude or value attached to the deceased.

The adinkra fabric is a funeral cloth reported to be from Côte d'Ivoire. It has spread in the Akan group.

This technique would seem to be the origin of printed fabrics of West Africa. The manufacture and use of this fabric is originally specific to the Abron, Agni and the Akan group of Côte d'Ivoire and Ghana.

Its use is mainly for funeral. This is perhaps why this fabric has not experienced business and tourism development as much as other African fabrics. 

The Adinkra is a cloth or bazin that is ocher, burgundy or midnight blue cut in leav and sewn by inserting woven or embroidered strips. The parallel lines are painted in black using a comb and with symbolic patterns made with carved wooden stamps.
The adinkra is sometimes used for weddings or baptisms. It will be lighter in color. The material used to print the patterns is obtained from mangrove bark and slag of iron.
Today we find the adinkra symbols in everyday life, such as logo on chairs or decoration on the walls. They remain a vivid expression of a philosophy and a system of values that emphasizes common origins, interdependence and solidarity.
Each symbol represents a single expression that can be a proverb, a historical fact, an attitude and / or human or animal quality, plant, forms of animate and inanimate objects, their meaning and patterns belonging to the fields of aesthetics , ethics, human relations and spiritual concepts.

The bark of Lannea barteri provides dye that is used in Côte d'Ivoire, Mali, Burkina Faso and Ghana. Its brown-red-orange color is associated with blood and war as well as mourning. In Ghana, the dye known in Akan "kuntunkuni" or "kobewu" provides dark symbolic red color and red-brown to "adinkra" clothes.

We adopted one of these symbols for Ezile Bay, it is Aya.

Aya is a symbol of endurance and resourcefulness. The fern is a hardy plant that can grow in difficult or incongruous places. It means perseverance even in adversity. This symbol refers to the concepts of bravery and courage. It evokes endurance capacity manifested even in unfavorable circumstances. Difficulties are rarer upwards, which means that they eventually decrease when progressing without detours on a path where we are firmly committed ... We like the meanings and strong symbolism of Aya. Its design has also attracted us, her curves reminiscent of the bay and also Ezile waves and many palm trees we have on the ground. Moreover ferns grow in the palm trees ... Aya seemed perfect for us at Ezile bay!


Ghanaian sculptors are primarily known for three objects: fertility dolls, stools and combs.

fertility dolls or Akwaba

Among other traditional artistic productions, the fertility dolls. There are multiple. They are also called Ashanti dolls or Akwaba (or Akua ba). 

They represent in a very stylized way the forms of the female body. The composition of these statues is almost always the same: a disc-shaped head surmounts a long neck and a schematic cylindrical body with protruding breasts. Two horizontal extensions, more or less conical, are the arms. They are often adorned with beads.

Dolls deemed to promote the fertility of women and are carried in the back by the girls before marriage. These dolls, or more specifically, sacred effigies, represent feminine beauty. They are carved with great care, trimmed with ornamental and even dressed.

The Akwabas of the Ashanti and Fante accompany pregnancy to term. Pregnant women carry them on their backs, wrapped in their clothing. Their function is to promote the birth of a beautiful child who has the aesthetic qualities of the statue: a beautiful head, long neck.

Fanti dolls (or Fante) of the southern coast of Ghana are different. The head of the doll is rectangular.
The Akwaba are female effigies, Akan women are particularly keen to have a daughter to ensure the family descent as we must not forget that the lineage is matrilineal.



Ghanaian, specifically asanti, are known for their ceremonial stools. No leader without stool! These stools have a curved seat placed on top of a leg. The shape of stools may suggest a local proverb or a symbol of wisdom. They are usually made for a chief at his enthronement. They are often covered with copper sheets and decorated with nails and beads, sometimes shells such as cowrie shells. There are stools for women and men. It happens sometimes that the stool is covered with silver foil (for the Queen Mothers) and placed on a sheepskin, a symbol of peace.
In the social vision of Akan, the seat is very important. The first thing a father does for his child is to make him a seat when he begins to sit. In the puberty rite, the girl is put on a seat. There is a saying that there is no secret between an individual and his seat, because it is believed that his spirit permeates his seat and that it persists even after his death.

Akan custom is that when a person enters a home he receives a seat to sit. Homes have reserved seats for visitors and foreigners. On the other side each permanent resident of the house has its own, individual seat where no one else is allowed to sit. It is an act of challenge to sit on the seat of others.


Depuis le début de son histoire, la nation Ashanti a amassé une fortune considérable grâce au contrôle des mines d'or. Parmi les objets les plus précieux, le siège en or , symbole du pouvoir royal et de l'unité du peuple, un objet si sacré qu'il n'est montré en public que quatre fois par siècle. Le roi régnant tient son autorité du siège- mère, c'est à dire celui du fondateur du royaume.


 La remise du siège est un acte juridique et institutionnel important qui matérialise l'intronisation du roi, les ghanéens parlent « d'enstoolement »

Un dicton Akan dit " le roi meurt , le siège ne meurt pas" ou "la où le siège n'est pas, le roi ne peut être"

Le siège comme a donc des fonctions multiples. Il est aussi bien le fondement du pouvoir politique, mais aussi confère un pouvoir spirituel lié au culte des ancêtres. Le siège d’or de l’Asante est avant tout celui des Oyôkô de Kumase, il est devenu celui de leur royaume, puis du peuple et de la nation asante. C’est après la mort du roi que son siège est consacré, noirci par le sang du rituel qui en fait un objet sacré, réceptacle de son esprit. Le rituel du siège consiste à donner à manger et à boire à ce réceptacle des mânes ancestraux. Le siège reçoit le sang des poulets et moutons immolés, et le fufu d’igname (purée d’igname). Il reçoit des libations et il lui est donné un bain rituel dans un cours d’eau. Le siège devient alors un siège noir (Bia Bilé, Akonua Tumtum). Le siège d’or de l’Asante est avant tout celui des Oyôkô de Kumase, il est devenu celui de leur royaume, puis du peuple et de la nation asante. Les sièges consacrés (les sièges noirs) sont entreposés dans une case et le village qui abrite cette case est déclaré Capitale du Royaume . 

Mais comme pour le Kente, le tabouret (stool) n'est pas réservé aux chefs. C'est l'un des premiers cadeau que faisait autrefois un père (généralement d'une grande famille à son enfant) ou bien encore que le fiancé faisait à sa promise afin qu'elle lui reste fidèle. Lors des rituels de la puberté, les jeunes filles sont assises sur un tabouret, créé pour elles. Outre sa fonction utilitaire évidente, le stool est surtout emprunt de symbolisme fort. Le pied du stool est sculpté. Chacun apporte un soin et sens particuliers à ces sculptures. Ainsi un homme voulant exprimer la paix pourra y faire figurer un œuf, pas d'angle coupant, de début, de fin... Il pourra aussi démontré que le propriétaire de ce stool est patient, attentionné et prudent car sans ces trois qualités, l'oeuf se brise ! Et comme le dit si bien un proverbe akan :
Tumi te se kosua, wosu me den a, epae
na woansoe mu yie nso a,
effiri won sa bo famu ma epae,

Le pouvoir est fragile comme un œuf, Quand on le tient trop fermement, il casse, Quand on le tient trop mollement, il tombe.

Les peignes
Les coiffures élaborées portées par les femmes akan ont engendré une importante production de peignes en bois qui étaient souvent offerts par les maris et/ou les pères.

 Ils sont généralement sculptés avec des saynètes illustrant l'occasion à laquelle ils sont offerts. Les peignes faisaient partis des dons symboliques que recevait la jeune épouse pendant les rites de mariage. Les femmes en possédaient une collection reçus en célébration de ses rites de nubilité, de son mariage ou de la naissance de ses enfants.

 Ils présentaient des motifs et formes diverses.

Les motifs pouvaient être traditionnels tel que le célèbre Sankofa

 ou des motifs plus modernes, un drapeau, un camion, un bateau parfois un nom (celui du sculpteur, du donateur, de la jeune femme). Ce nom pouvait s'accompagner d'une date, d'un proverbe ou d'une prière. Certains étaient des messages entre le jeune homme offrant le peigne (Meware wo, je tépouserai ou bien encore Megye wo adom dom, je souhaite que tu deviennes la mère de nombreux enfants).



 A travers ces objets, la féminité et le pouvoir de la femme et de la mère s'affichaient, comme dans l'usage des perles.


Les perles
Les perles de verre furent importées en Afrique orientale et australe comme monnaie d'échange dès 300 ans avant notre ère. Selon l'époque, les principales sources d'approvisionnement étaient l'Égypte, l'Inde, le Moyen-Orient et l'Europe.

 Les caravanes de marchands arabes les apportaient à l'intérieur depuis la côte de l'océan Indien. Les perles et verroterie appelées aussi trade beads fabriquées à Venise puis Murano furent également utilisées comme monnaies d'échange dans les pays d'Afrique. Les perles de Murano appelées aussi Millefiori sont très recherchées.Depuis le XVIIe siècle, la fabrication des perles de verre en Afrique subsaharienne s'est concentrée dans les états actuels du Niger, du Nigeria et du Ghana . Cette tradition demeure intacte et, aujourd'hui, les Bida du Nigeria et les Krobo du Ghana sont parmi les plus importants fabricants de verre d'Afrique.

Le Ghana produit toujours des perles en pâte de verre appelées krobo. Les Krobo comptent parmi les fabricants de perles les plus anciens et les plus réputés car beaucoup de perles sont fabriquées, selon des traditions ancestrales, au Ghana.
Lorsque vous demandez aux Ghanéens d'où viennent les perles, ils vous répondent : de la volonté de la terre ...
Pour comprendre le goût des perles par les peuples africains, il faut savoir qu'elles servent à illustrer et représenter la richesse et le statut social. Elles donnent des indications sur la classe d'âge, le statut, la situation sociale. Elles véhiculent toutes sortes de valeurs culturelles. La perle de verre est un matériau parmi d'autres : les graines, les coquillages (cauris), os, ivoire, dents, pierres (granit, amazonite, cornaline, agathe etc.), ambre, corails, bronze, argent, or, etc.
Comme partout, la parure est un code. Chaque type de perle porte un nom et a sa signification : les bleues : la tendresse, les jaunes : la maturité et la prospérité, les blanches : la pureté et la virginité. Certaines perles servent à la prophylaxie ou au traitement des maladies, ainsi qu'à la protection contre les morsures de serpent, les sorciers, les mauvais esprits et d'une façon générale, contre le mauvais œil. Les femmes se les transmettent en héritage.

Tout au long de la vie
Dès la naissance, lors des cérémonies du baptême qui ont lieu 7 jours après la naissance (le prénom de l'enfant lui sera attribué à ce moment là, pas avant), l'enfant reçoit deux ou trois petites perles enfilées sur un fil qui restera noué autour de son poignet pendant une semaine. Plus tard lui sera offert un rang de perles qu'il portera autour de la taille et qui s'enrichira au fil des ans.

Lors des rites de passage des filles à l'âge adulte, appelées cérémonies nubielles, les perles tiennent une place prépondérante. Lors de cette cérémonie appelée dipo , les jeunes filles exhibent leur talents de danseuses devant leur prétendant éventuel. Elles portent autour du cou, des jambes et des hanches des colliers perles de grande valeur, souvent transmises dans la famille depuis des générations. Certaines jeunes filles peuvent ainsi porter plus de 10 kilos de perles !
L’initiation Dipo est l’une des cérémonies les plus grandioses d’Afrique de l’Ouest. C’est alors qu’à la perle est conféré le pouvoir magique de faire éclore la jeune fille en une femme. Dipo représente ce moment où les jeunes filles Krobo sont initiées au rôle de la femme dans leur culture. Au travers de rites guidés par les anciennes et supervisés par les féticheurs, les jeunes filles sont tout d’abord initiées aux devoirs essentiels de mère et d’épouse avant d’être purifiées et entièrement revêtues de perles.
Un grand marché aux perles à lieu tous les jeudi à Koforidua (eastern region, Ghana). 

A Ezile Bay, un grand rideau fait de perles, bois, bambous ,différentes graines et coquillages a été réalisé.

De la créativité des objets liés aux funérailles
La vie de chaque ghanéen est ponctuée par des rites auxquels il ne peut se soustraire, ceux qui sont dus aux défunts. Les funérailles sont l'occasion pour les membres du groupe de se retrouver et de saisir cette occasion pour conforter leurs liens.

Autrefois au sein du groupe akan, il était d'usage de fabriquer des effigies placées dans des lieux de cultes rendus aux morts. En effet, lors d'un long séjour sur la Côte de l'Or, Pieter de Marees a observé, en 1601, des funérailles royales. Il rapporte que les personnages importants étaient représentés en argile modelée et peinte. Ces effigies étaient disposées autour de la sépulture. Par ailleurs, des vases en terre cuite contenaient des nourritures destinées au souverain lors de son voyage du souverain dans l'autre monde.

Une nouvelle pratique : les cercueils Ga
Une histoire qui a commencé comme un hommage à un oncle et qui s'est transformée en grande entreprise pour certains fabricants de cercueils à Teshie / Nungua, une banlieue d'Accra. Ce sont des cercueils, mais ils peuvent être considérés comme des sculptures, qui sont construits en forme de voitures (en général, Mercedes), d'avions, d' animaux, etc.

 Au Ghana, les cercueils ont leur artiste Ou

L'émergence de nouvelles formes d'expressions artistiques
Les pratiques religieuses et artistiques ancestrales se sont progressivement modifiées à la suite des transformations des structures politiques, bouleversements vécus par le Ghana dans les années 1960, période d'accès à l'indépendance. Cette période marque l'émergence de nouvelles formes d'expressions artistiques. Celles-ci révèlent non pas tant une rupture avec le passé que l'impulsion donnée par de nouveaux modes de relations avec l'environnement urbain. Des créations originales, tels les cercueils aux formes surprenantes, ont vu le jour depuis quelques décennies.
Au Ghana, l'ethnie des Ga dévoile ses rites mortuaires, et plus particulièrement cette tradition récente de construire un cercueil "sur mesure" pour chaque membre de l'ethnie (tout du moins ceux qui en ont les moyens car le coût en est élevé qui décède. 
L'inventivité des artisans se mêle à la gravité du choix qui s'impose à la famille : quel cercueil ressemblera le plus au défunt ?

Voyage à la découverte d'une des plus étonnantes pratiques d'Afrique
Les cercueils de la société Ga représentent le métier du défunt, ses intérêts, son statut social ou ce qu'il représentait pour ses proches. Dans la banlieue d'Accra, des menuisiers se sont spécialisés dans cet art funéraire très expressif. Ainsi, une vendeuse de fruits et légumes partira dans une tomate ou un oignon, un joueur de football dans une chaussure à crampons, un pêcheur dans un poisson mais aussi une mère poule dans une poule, un buveur dans une bouteille de bière ou encore dans un frigidaire ! Dernier acte social pour le défunt, les funérailles se doivent d'être majestueuses (et cela se vérifie dans tout le Ghana), afin d'établir définitivement le prestige du mort. Œuvres symboliques, elles accompagnent le nouvel entrant dans l'au-delà, en l'aidant à continuer son travail.

L'extrême attention qu’accordent les Ga à leurs rituels d’enterrement est une conséquence de leur conception de l’au-delà. Selon ces croyances, la vie se poursuit après la mort comme sur la terre et le défunt, qui accède au rang d’ancêtre, y conserve aussi bien son statut social que son métier. La mort n’est pas considérée comme une fin définitive, les Ga croient en une réincarnation qui s’effectue au sein de la famille, en sautant à chaque fois une génération. Mais les défunts ne sont pas tous promus à la dignité d’ancêtres, seuls le deviennent ceux qui ont réussi professionnellement, qui ont engendré beaucoup d’enfants et qui sont morts très vieux, de mort naturelle. Aux défunts qui réunissent toutes ces conditions, on rend hommage dès leur enterrement par une grande fête. C’est une étape importante, pour préparer la communauté des ancêtres à respecter le nouveau venu et à l’admettre en son sein.

Seth Kane Kwei (1922-1992) était un charpentier menuisier établi à Teshie, dans les faubourgs d’Accra au Ghana. Il est considéré comme un des inventeurs de cette pratique somme toute, récente, au début des années 1950, des design coffins ou fantasy coffins, en français « cercueils de fantaisie », et en langue Ga (ethnie prédominante de la région d’Accra) Abebuu adekai (« boîtes à proverbes »).


Seth Kane Kwei fut le premier artiste à rendre célèbres ses cercueils figuratifs à l'étranger. Si quelques unités avaient été acquises dans les années 70 par des galeristes américains (Vivian Burns en 1973, Ernie Wolfe, tous deux établis à Los Angeles) c’est à partir de 1989 que les cercueils de Kane Kwei ont accédé à une reconnaissance internationale en tant qu’œuvres d’art éphémère, emblématique d'une certaine création contemporaine en Afrique.

Une reconnaissance récente venue de l'étranger
Leurs présentations successives dans les expositions Magiciens de la Terre (Centre National d’Art Contemporain Georges Pompidou et Grande Halle de la Villette, Paris, 1989 ) et Africa Explores (New Museum of Modern Art, New York, États-Unis, 1992 ) ont été des déclencheurs de cette reconnaissance.
L’utilisation de ces cercueils lors des funérailles en pays Ga s’est généralisée dès le début des années 1960, devenant une véritable tradition.
Au décès de Kane Kwei, son fils Sowah prend la relève à la tête de l’atelier puis ce fut le tour de Cedi – cadet de Sowah – après la disparition de ce dernier en 1999. Depuis 2005, Eric Adjetey Anang (né en 1985, fils de Cedi) s’attache à dynamiser la créativité de l’atelier par l’introduction de nouveaux modèles, la création de meubles réalisés dans le même esprit et avec les mêmes techniques que les cercueils. Une dizaine d’ateliers établis à Teshie et dans la région d’Accra produisent des cercueils apparentés.

Ataa Oko Addo est l'un des initiateurs des cercueils décoratifs Ga.
Né dans la ville côtière de La, Ataa Oko Addo est d'abord pêcheur, il est ensuite employé dans les plantations de cacao de la région d'Ashanti.

Vers 1949, il crée à son premier cercueil figuratif en forme de crocodile. En 1951, il ouvre son premier atelier. Vers 1970, il a de nombreux contacts avec Kane Kwei, un autre pionnier de l'art des cercueils fantaisie au Ghana. Depuis 2006, il se consacre plutôt à dessiner, les sujets sont ses anciens cercueils figuratifs, ses rèves, des rites religieux ou des monstres bizarres.

Paa Joe est né en 1945 dans les collines au nord-est d'Accra.

Il effectue son apprentissage avec Kane Kwei à Teshie. En 1976, il ouvre son propre atelier à Nungua. En 1989, il a été invité avec Kane Kwei à participer à l'exposition "Magiciens de la terre" à Paris. Depuis lors, ses cercueils sont montrés partout dans le monde.En 2005, ils ont été exposés dans la galerie Jack Shainman à New York, et en 2006 Paa Joe a participé à l'exposition «Six Feet Under" au musée d’art de Berne. En 2007, il a ouvert un nouvel atelier à Pobiman près d'Accra.



Les dessins de son maître, Ataa Oko Addo, forment une typologie colorée des motifs de cercueil, créant ainsi un thésaurus qui évoque le lexique de Frédéric Bruly Bouabré. Il présente aussi d'autres cercueils en forme de bateau, de Mercedes ou de sandale de chef de clan.

En 2006/2007 pour l'exposition Six Feet Under, Autopsie de notre relation aux morts, au Kunstmuseum de Berne, Paa Joe a conçu sept cercueils pour l'exposition : pour les membres de son clan, un cercueil ayant la forme d'un oiseau mythique, le Sankofa, qui, tournant sa tête vers l'arrière, se nourrit du passé pour mieux aller de l'avant.


Paa Joe est un artiste qui trouve toujours une solution, même aux requêtes les plus ambitieuses. Ainsi lui a-t-on demandé, pour une exposition chez Jack Shainman à New York, de reproduire sous forme de cercueils tous les comptoirs fortifiés historiques bâtis le long de la côte ghanéenne. Paa Joe a travaillé à cette occasion sans aucun plan, il a fabriqué chaque pièce uniquement à l’aide de photos et en s’appuyant sur ses propres observations. Avec ses apprentis, il a réalisé une série de cercueils figurant toutes ces vieilles places fortes bâties par les Européens pour le commerce des esclaves

 Kudjoe Affutu est un artiste indépendant spécialisé dans la création de cercueils artistiques. Depuis 2007, il dirige dans sa ville natale son propre atelier, où il réalise des cercueils figuratifs et des sculptures pour des enterrements ghanéens, ainsi que pour des musées d’art et des collectionneurs privés.

En Europe, l’artiste est connu grâce à sa participation à de nombreux projets d’expositions, le plus souvent à la demande et en collaboration avec d'autres artistes. Lauréat du Prix Marcel-Duchamp, Saâdane Afif décide d'intégrer un cercueil Ga pour son exposition personnelle au Centre Georges Pompidou. Il décide de partir au Ghana pour faire réaliser un cercueil et rencontre Kudjoe Affutu. Ajoutant à son projet un degré supplémentaire de sens, il mentionne aussi le rôle majeur de la sculpture africaine pour notre tradition moderne.

Eric Adjetey Anang est le petit-fils de Kane Kwei. Avant la fin de sa scolarité, il mène un projet éducatif introduisant les cercueils figuratifs dans le musée Gidan Makamae Kano au Nigeria avec le concours de l'Alliance française de cette ville. En 2005, après avoir terminé ses études secondaires, il reprend en main l'atelier de son grand-père Kane Kwei (1922-1992). En l'espace de quelques années, il devient l'un des artistes créateurs de cercueils fantaisie les plus connus du Ghana. 

  Eric Adjetey Anang

 En 2009, Eric Adjetey Anang et ses œuvres sont les vedettes du clip promotionnel pour une boisson énergétique. La même année, il participe au projet Boulevard Amandla à Anvers, Belgique, et organise une résidence pour l'artiste enseignant Michael Desforest, dans le cadre d'une collaboration avec l'Oregon College of Art de Portland (États-Unis). En janvier 2010, Eric Adjetey Anang participe au projet artistique Please do not move! à Teshie mené par le photographe français Guy Hersant. A la fin de la même année, il représente les designers du Ghana au Festival mondial des Arts nègres à Dakar . Il est également impliqué dans un travail de recherche anthropologique sur le peuple Ga avec Roberta Bonetti et le département d'Histoire de l'anthropologie de l'Université de Bologne en Italie.

Son travail est présent dans des collections publiques et privées en Europe, aux États-Unis et au Canada. Eric Adjetey Anang est membre de la Foundation for Contemporary Art (Ghana) depuis 2007.


La communication visuelle s'épanouit à travers maints supports, les enseignes de coiffeurs, les panneaux publicitaires qui fleurissent le long des routes… Les sujets représentés sont des mélanges de référents locaux et d'images occidentales. Les artistes, dont la plupart appartiennent à un corps de métier reconnu, travaillent dans un secteur informel, ce qui ne signifie nullement que cet art dit "populaire", soit toujours anonyme.



Quelques artistes affirment leur originalité. Ainsi, Almighty God photos, dont l'atelier boutique, installé sur l'une des grandes artères de Kumasi, recèle un nombre considérable de peintures, jouit d'une renommée incontestable. Almighty God s'exerce à tous les styles : du portait fidèle à l'hyperréalisme aigu, en passant par un art où les symboles foisonnent.


Sans couper le lien avec leur culture d'origine, beaucoup d'artistes créent en dehors du Ghana. Ainsi, Owusu-Ankomah inscrit sa démarche dans une thématique corporelle. Les figures humaines, corps denses ou grandes silhouettes, partagent l'espace pictural avec des signes et symboles adinkra ou interprétations libres de ces mêmes motifs.
L'activité de création dans le domaine des arts plastiques et particulièrement dynamique au Ghana.
Connaissez vous :

 Rikki Wimmega Kwawu ?
Francis Nii Obodai Provencal ou Joe Big Big ?
Nana Kofi Acquah ?
Eric Don Arthur ?
Wiz Kudowor ?

Un des plus (re)connu sur la scène internationale est El Anatsui  
El Anatsui est un artiste majeur de l'art contemporain actuel.Son travail s'appuie sur le large éventail des cultures africaines. Il est particulièrement préoccupé par l'érosion des traditions et leur transmission. Son travail est lié à des évènements et les questions de notre société. Il aime à transposer les traditions africaines dans le monde moderne, en appliquant des méthodes artisanales sur des matériaux de sculpture ordinaires ou sur des objets recyclés.
A partir de 2002, El Anatsui commence à travailler avec des capsules de bouteilles d’alcool, qu'après avoir aplatit il, redresse et assemble avec du fil de cuivre, pour former des feuilles métalliques à motifs.
Ses premières sculptures de ce genre s’inspirent des célèbres kente du Ghana, en particulier les couleurs des tissage traditionnels. Les capsules de bouteille font référence au passé colonial de l’Afrique : l’alcool était l’une des premières marchandises apportées par les marchands européens en échange de produits en Afrique. Ses oeuvres interrogent les nouveaux flux mondiaux du commerce, avec comme trame les économies fondées sur l’exploitation des ressources naturelles et humaines. La destruction, la transoformation et la reconstruction des matériaux sont comme des métaphores des changements imposés au continent africain sous la colonisation et depuis les indépendances.
El Anatsui apprécie ces travaux pour leur souplesse, tant dans le processus de construction (des éléments peuvent être retirés, remplacés, ou déplacés) que dans la présentation, qui change en fonction du contexte. Ces larges draps, une fois composés, transforment un matériau simple, et d’ordinaire laissé de côté, en une forme monumentale, tout en étant d'une grande plasticité.El Anatsui a utilisé de nombreux matériaux différents au fil des ans, y compris le bois, le métal, l'argile et des matériaux plus récemment réutilisés. "New world map" 'en est un excellent exemple.

Cette magistrale oeuvre, à la fois par ses dimensions (300x500cm), les matériaux utilisés, a été fabriquée à partir de capsules de bouteilles aplaties tissés ensemble dans une tapisserie chatoyante. Elle vient aussi d'atteindre des records de prix de vente.
C’est donc à un travail écologique et éducatif et titanesque que se livre El Anatsui.


Et maintenant, des jeunes artistes que nous apprécions :


Joseph Kola


Nana Afari Darko


Adwoa Amoah



Larry A.Otoo


Ato Annan


Serge Nii Attukwei Clottey


Je vous conseille d'aller faire un tour sur leur galerie où vous pourrez découvrir une vingtaine d'artistes de différents courants et disciplines (peinture, sculpture, photo, poésie ...) avec un mot d'ordre (et désordre) commun : le talent.

Comme vous venez d'en avoir un aperçu, du côté des arts au Ghana, tout va bien !


Aluoku Adee Frimpong


Rikki Wimega Kwawu


Le moins que je puisse écrire, observer et voir (et dire aussi), c'est que l'art contemporain au Ghana et en Afrique, est d'une très belle vitalité et créativité. D'ailleurs le terme art contemporain n'est pas le plus judicieux tant il s'exprime de façon plurielle, les arts contemporains. Vous en trouverez quelques exemples dans la galerie que je suis en train de constituer sur le réseau social image pinterest. Ou encore sur ce diaporama des arts contemporains d'Afrique.